张立辰先生“画语”感悟---中央美院中国画写意高研班郭煌

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内容概要:中国画构图讲究留空白,以空白来代表水,代表天空,代表云气,我试图把中国画里的空白转变成画面里的一部分灰色,使其画面没有空白,引用中国画水墨里的元素(笔墨)来和修拉的绘画的一种结合,我喜欢用点皴,用中国画里的笔墨关系和印象派里的笔触及画面整体效果的
一种融合,用这种融合来表现 太行山,三峡,张家界等等。
我的创作把中国画构图的规律和修拉的构图规律结合起来。中国画构图讲究留空白,以空白来代表水,代表天空,代表云气,我试图把中国画里的空白转变成画面里的一部分灰色,使其画面没有空白,引用中国画水墨里的元素(笔墨)来和修拉的绘画的一种结合,我喜欢用点皴,用中国画里的笔墨关系和印象派里的笔触及画面整体效果的
一种融合,用这种融合来表现 太行山,三峡,张家界等等。
中国绘画归根到底讲的是笔墨,用笔用墨及笔墨关系,它以自然界物象为载体,
表现的是笔墨,古人云:“澄怀味象”,对大自然的感受,不同地域的山有不同的特点。中国古代大师们学到笔墨,用笔墨来表现大好河山。李可染先生画了一生的大山大水,艺术成就极高,作品格调极雅,我认为他的创作作品只画了一张构图,但是他给我们留下的是笔墨,他的笔墨关系已达到了极高的水准,那是因为李可染先生一生研究两个字——笔墨。
所谓笔墨就是用笔,用墨及笔墨关系。所谓用笔就是皴,擦,点,染。中国画讲究各种皴,如披麻皴,雨点皴等等,
笔在纸上是讲究提笔,按笔等等,是有节奏和韵律的。记得有一次在故宫博物院看石涛小画精品展时,张立辰老师讲石涛的画,记得非常清楚他所说的一句话:“如果把石涛的一张小画放大到几十倍或几百倍,那么这张画会是非常震撼的一张作品”。
为什么?我认为就在于石涛很讲究用笔,在极小的一张纸上(小到十公分到二十公
分)画的如此精细,最重要的诀窍就是有极好的用笔,提按关系,轻重缓急等等。
范宽有一张震撼世人的作品——《溪山行旅图》(我有一张极好复制品悬挂于家中)
几乎天天看这张作品,高耸而大的山头立于观者面前,其山头非常立得住,为什么?
因为范宽讲究用笔,《溪山行旅图》的线条非常硬朗,笔力气壮雄逸,老健,可见用
笔之重要性。五代荆浩曾说过:“凡笔有四势:谓筋,肉,骨,气,笔绝而断谓之筋,
起伏成实为之肉,生死刚正谓之骨,迹画不败谓之气。”笔绝而断谓之筋,说的是
很多人常听到的笔断意连之意,犹如戏曲中的声断而情不断之意。起伏成实谓之肉,
笔端蘸墨饱满,运笔时笔力雄健,不论是提笔还是按笔,都能表现出结识浑厚之肉的样子。生死刚正谓之骨,“生死”两字亦有用笔之意,笔端含水不多,表达用笔坚
硬刚劲正直。迹画不败谓之气,笔迹之间彼此呼应连贯,一气相通之意。用笔在中国传统绘画里面非常重要,没有传统渊源就不可能有好的优秀创新作品出现。
所谓用墨,就是指墨的干湿浓淡,墨在纸上的千变万化,墨是非常有讲究的,古人说墨分五色,墨分五色始于张彦远提倡的“运墨而五色俱”五色指:红,黄,蓝,白,黑等各种色彩,他的墨分五色即:草木敷荣,不待丹碌之采,云雪飘扬,不待铅粉而白,山不待空青而翠,风不待五色而綷,是故运墨而五色俱。可见墨分五色最初的含义不过是以一墨代众色的意思。后来又有人解释墨分五色:墨中含水不同所呈现诸多层次,把“焦”“浓”“重”“淡”“清”称为墨分五色。又有清朝华琳《南宗抉秘》中写道:“墨分五色,黑,浓,干,淡,湿五者缺一不可,五者备,则纸上光怪陆离,斑斓夺目,较之着色画,尤为奇姿。”关于墨分五色有各种说法,从我个人角度我对墨分五色有一点浅的理解为:用上等好墨研制,能很好掌控用笔的前提下,在优质的宣纸上所呈现出不同墨的层次,出现作品的笔墨仿佛有赋色之效果,格调极佳。墨分五色不是指五种颜色,而是墨分很多种层次。看来中国画的用墨非常重要。明代唐寅曾说:“作画破墨不宜用井水,性冷凝故也,温汤或
河水皆可”中国绘画用笔用墨都是很讲究的,不是随便拿起所谓“毛笔”所谓的“墨”
来作画,清代方薰:“用墨无他,惟在洁净,洁净自能活泼,用墨,浓不可痴钝,淡不可模糊,湿不可溷浊,燥不可涩滞,要使精神虚实俱到。”
,“墨法精妙,高绝入神。”“山实,虚之以烟雾,山虚,实之以亭台。”中国画讲究用墨,要达到一定的功力才能画出佳作精品,把笔墨做好,画之格调不得不高。

  近些日子,有幸陪侍张立辰先生左右,观先生写意花鸟画创作,聆听先生讲画。先生精湛的技法,精辟的画语,令我受益匪浅,感受颇多。

  中国写意画创作是一个复杂多变的创作过程,在这个过程中,笔墨、线条、形体、阴阳、虚实、黑白、空间、大小等等,皆与作品所表达的内涵密切相关。而且,这些创作的原始符号或者说是最小单位,又时刻矛盾着、联系着、变化着。要解决这些矛盾,就必须有艺术审美的高度,有发现美、认识美的眼光,具备处理、解决画面问题的能力。这就出现了画面处理的了与不了的问题,何时了何时不了,时刻考验着画家的全面素质。了而不了,不了而了在佛法上是最高境界,在艺术创作上也是最高境界(张先生画语)。了而不了是相对的,不了而了是绝对的,任何事物的发展与变化、开始与结束,都是了而不了不了而了的过程,中国画的创作也是如此。张先生曾教诲我们:方增先先生在谈到吴昌硕作品时说观其作品,笔笔都对!这句话同学们要认真体会。(张先生画语)这句看似平常的话,却道出了中国画创作的诸多内容。所谓笔笔,是说小到用笔、用墨、用色,点、线、面,黑白、阴阳、虚实、浓淡、干湿等,大到中国画写意精神中国精神(张先生画语)这一正大气象的彰显。所谓都对,是说该了就了,没有累赘;否则,就是笔笔都不对,或是有的地方对而有的地方不对。这里不光指用笔用墨,还有思想、境界、格调等等。有了创作表现的最高境界,有了最佳处理手段,有了最严格慎密的组织安排,也就有了必须了却的了。写意画的最佳境地是要笔简意赅,以一当十。画满意了,是人为的成份多,是了了,是好作品;得意外之意,天成的成份多,不了而了是逸品多(张先生画语)。面面俱到,谨少慎微,就走向制作之风,就走向小气的一面了(张先生画语),故在古代画论中张彦远有云:夫画物特忌形貌彩章,历历具足,甚谨甚细,而外露巧密,所以不患不了,而患于了。既知其了亦何必了,此非不了也。若不识其了,是真不了也。夫失于自然而后神,失于神而后妙,失于妙而后精,精之为病也,而成谨细。自然者为上品之上,神品为上品之中,妙者为上品之下,精者为中品之上,谨而细者为中品之中。创作中刻画的不断深入,往往使画面越画越多、越画越满。写意画要求就简,简才更能体现笔墨的本质,而繁了笔墨就被掩盖了(张先生画语)。因在画面中的处理中,是牵一发而动全身(张先生画语),使画面无法早了。故先生提出的宁可早了,不要晚了;宁可欠一些,不要画过了(张先生画语)就是基于对创作高标准要求的。

美高梅国际游,  中国画的表现形式书写、写意,材质笔墨、宣纸,决定了中国画线的造型,以墨分阴阳来呈现大千世界色彩变化。笔墨是灵魂、线骨是核心(张先生画语)。中国画单纯简练的线条,最能概括表现复杂的形体,显现出线的无限生机,一笔写下去,形、质、动、意都能够表现出来,其简捷、准确,相比西方绘画体面的表现,线是了到了极致。

  墨是线的延伸,墨是世界上最丰富而又最单纯的色彩,故张彦远在《历代名画记》中论:夫阴阳陶蒸,万象错布。玄化亡言,神工独运。草木数荣,不待丹碌之采;云雪飘扬,不待铅粉而白。山不待空青而翠,凤不待五色而卒。是故运墨而五色具,谓之得意,意在五色,则物象乖矣。老子有云:守其黑,知其白.,五色令人目盲,五音令人耳聋。在中国,阴阳产生了绘画(张先生画语),墨分阴阳,就产生了虚实、浓淡、干湿等色的变化,正如唐代王维《山水诀》中所说:夫画者,水墨最为上,肇自然之性,成造化之功。

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